grotte chauvet, lions

La grotte a été découverte en Ardèche en 1994 par le spéléologue Jean-Marie Chauvet. L’accès en fut interdit de façon naturelle. Un effondrement en boucha l’entrée il y a 20 000 ans.

L’œil de la caméra pénètre par un passage étroit. Sa pellicule explore une galerie de 170 mètres, exhibant plus de 400 cent œuvres, peintures et gravures pariétales remontant à l’ère aurignacienne (32 000 ans). Il s’agit d’un des plus anciens témoignages humains répertoriés.

Grotte Chauvet, empreinte de main en négatif

De gauche à droite, de haut en bas, la caméra parcoure le sol jonché de vestiges archéologiques : silex taillés, os d’ours de cavernes et de bouquetins, diverses empreintes animales et végétales. Des hommes de Cro Magnon y mouchèrent leurs torches sur les parois.  Les traces paraissent étonnamment fraîches, comme si elles dataient d’hier.

Les rhinocéros, les félins et les mammouths composent l’essentiel de ce bestiaire. Il s’y ajoute, pêle-mêle, des chevaux, bisons, rennes, aurochs et bouquetins. La beauté minérale de l’endroit, ses stalactites et stalagmites en calcite font scintiller les scènes de chasse et d’accouplement.

Grotte Chauvet, rhinocéros

La grotte Chauvet bouleverse nos repères et la chronologie du paléontologue. Fi des théories de l’évolution linéaire de l’art, notamment sur l’apparition de la perspective ! Les frises de chevaux et de lions suggèrent la fuite, l’attaque en groupe ou l’accouplement. Les peintures noires et rouges, les gravures jouent de l’alternance du trait et de la surface. On ressent fortement la vie, son mouvement, son agitation à travers la répétition et le décalage des mêmes formes. Tout se démultiplie à l’image des cornes de rhinocéros sur une des parois. On se croirait presque au début du XX^ème siècle avec les futuristes italiens et leur rendu visuel de la vitesse.

Giacomo Balla, "Le dynamisme d'un chien en laisse", 1912

Vénus, pubis et jambes, pic dit "le sorcier"

Werner Herzog associe à l’ébauche de Vénus mi-femmes, mi-animales les représentations récentes du mythe du minotaure et de la femme. Picasso en fera un de ses thèmes de prédilection en malmenant l’image de la femme sous les traits de sa maîtresse de l’époque, Dora Maar.

Werner Herzog accorde enfin « une vraie musicalité dans cet endroit, une musique qui émerge du silence absolu[2]. » Il n’invente rien. Certains chercheurs ont tenté de mettre en parallèle les représentations pariétales et les caractéristiques acoustiques des galeries peintes ou gravées. Il croit bon d’ajouter en contrepoint une musique expérimentale qui y fait écho. C’est avec plus ou moins de bonheur qu’il le fait. Pour ceux qui verront le film, je vous en laisse juge !

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Devata, temple de Banteay Srei, Cambodge

 Le Baphuon.

Ce site emblématique a fait l’objet de la visite récente de François Fillon. Le premier ministre devait célébrer la fin de la restauration du temple commencée en 1995 et sa réouverture au public. Le temple se présente comme une pyramide à trois étages. Il incarne dans la mythologie hindouiste le mont Meru, demeure des dieux au sommet de l’univers. Le Baphuon se distingue des autres temples hindouistes et bouddhistes d’Angkor par une architecture innovante et de multiples pavillons et galeries. Ses bas-reliefs en cartouche retracent l’épopée de la divinité hindoue Rama, le Ramayana. De probables erreurs de construction et les fortes pluies de la mousson provoquèrent l’affaissement du temple qui fut entièrement démonté puis reconstruit au terme d’un immense chantier. L’anastylose, consistant à ceinturer les parois de béton armé sauva des ruines le Baphuon. Ce procédé a été expérimenté pour la première fois dans le petit temple de Banteay Srei, dédié à Siva.

Baphuon en cours de restauration, site d'Angkor

Le Banteay Srei.

Lors de ma visite, une guide francophone me signala qu’en 1923 le jeune Malraux découpa de son propre chef un linteau orné de rinceaux et de devatas (divinités féminines de second rang). Curieux ou désargenté, l’écrivain commit un vol jugé comme tel par la Cour d’appel de Saigon. Sa compagne dut intervenir pour que l’affaire n’aille pas plus loin. André Malraux en fut quitte pour un roman « la Voie royale » (1930) dont le titre évoque la voie royale des khmers.

Banteay Srei, site d'Angkor

Il faut reconnaître que Malraux avait bon goût.

La délicatesse du décor sculpté de l’édifice retient le regard à telle enseigne que, dit-on, seules des femmes auraient pu être à l’origine d’une telle facture. Le nom de Banteay Srei signifierait « la citadelle des femmes ». Le temple est atypique. Il est excentré : il se situe à une vingtaine de kilomètres du site d’Angkor. Il n’est pas d’origine royale à l’image en France du château de Vaux-le-Vicomte de Nicolas Fouquet,  petit en comparaison du château de Versailles. Il appartint aussi à un haut fonctionnaire Yajnavaraha, descendant de brahmane et précepteur du fils de Jayavarman 1^er .

A l’opposé des temples d’Angkor Vat et du Bayon, l’espace est intime. Nous sommes en Asie mais l’atmosphère n’est ni bouddhiste, ni taoïste. L’hindouisme qui fleurit sur les parois ne semble pas avoir le goût du vide. On préfère voir se déployer une harmonieuse dentelle de pierre. Le grès aux chaudes teintes rosées chatoie à chaque changement de lumière. Plusieurs gopuras (entrées monumentales) scandent la traversée du temple qui est plat contrairement à d’autres. Un vestibule (mandapa) précède trois tours entourées de deux bibliothèques où étaient conservés les textes sacrés. Les magnifiques apsaras (nymphes, ici les gardiennes) du temple captivent l’attention ainsi que les linteaux remarquables par la ciselure des bas-reliefs et leur réalisme parsemé de pathos.

Sur la façade est du gopura ouest de la deuxième enceinte figure une célèbre scène du Ramayana au cours de laquelle les deux frères Sugriva et Valin s’affrontent dans une lutte mortelle. Si vous ne pouvez pas vous déplacer, vous pourrez admirer d’autres scènes similaires au musée Guimet (fronton du porche du gopura ouest).

Combat de Sugriva et Valin, façade est gopura ouest, Banteay Srei

Lorsque Malraux déroba ces fameux bas-reliefs, il ne fit que subtiliser une apparence, une illusion. Il n’avait probablement pas compris qu’il eût mieux fallu laisser ces œuvres d’art se dégrader in situ. L ’usure du temps – ou plutôt sa fluidité – appartient à l’essence de l’hindouisme et du bouddhisme. La notion d’achèvement, de fini n’a guère de sens. Tout se perpétue et se renouvelle . Au Vietnam en avril dernier, j’ai appris que les temples hindouistes Cham présentaient à dessein des sculptures inachevées évoquant la progression incessante du temps.

Sculpture inachevée, temple Cham, My Son, Vietnam

Pascal Royère, restaurateur du Baphuon, décrit à trente-cinq mètres de haut la ruine de l’édifice . Il « rappelle l’existence du passé [1]»  ou plutôt la force du présent qui, tel Siva, crée et détruit sans discontinuer.

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Campagne toscane

Mon dernier voyage m’a laissée ébahie, le regard émerveillé devant la floraison de formes et de couleurs que j’y ai trouvée.

Depuis cinq ans, je n’étais pas retournée à Casole d’Elsa, un charmant village niché entre Volterra et San Gimignano. J’avais coutume d’y suivre l’été des stages de peinture au sein du « Centro d’Arte Verrocchio ». Il s’agit d’une école de peinture et de sculpture. Elle est dirigée par un maestro sculpteur Nigel Konstam.

Le dépaysement est, chaque fois, total. Je suis plongée dans la couleur et le dessin en compagnie d’Anglais, de Néo-Zélandais, de Sud-Africains, d’Australiens, de Singapouriens. Les Américains sont plus rares.  Je n’y ai rencontré aucun français à l’exception d’un français d’origine vietnamienne. Il n’est jamais revenu, m’a-t-on dit. A croire que ces  summer schools artistiques et anglophones ne suscitent que peu d’attrait chez nos compatriotes.

Au Centro, je n’ai également jamais croisé d’historiens de l’art. Analyser une œuvre du point de vue de la composition, des couleurs, des lignes en la resituant dans son contexte est au cœur de l’enseignement universitaire. Certains s’étonneront de la pertinence et de la profondeur d’une exégèse lorsque son auteur ne s’est pas frotté  lui-même,  sur le terrain,  aux différentes techniques artistiques.

Nigel Konstam aime comprendre et expliquer l’œuvre de certains artistes. Il s’y emploie à la manière de David Hockney avec ses « SAVOIRS SECRETS, les techniques perdues des Maîtres anciens ».  Le projet de Nigel Konstam « The museum of artists’ secrets” est sur le point d’aboutir.  C’est un projet iconoclaste. Ses nombreuses années de recherches et d’expérimentations ont mis en lumière des découvertes révolutionnaires. Un nouveau regard dans le monde de l’art et de son histoire est offert, mais, curieusement, la porte du monde académique lui est restée fermée en dépit d’  « evidences » qu’il avance étayées.

Deux techniques me semblent tout à fait emblématiques de la démarche de vérité de Nigel. Le nom de Verrocchio ne renvoie pas seulement au sculpteur, peintre et orfèvre de la deuxième moitié du quattrocento. Vero-occhio signifie en italien true eyes.

-         La première technique se rapporte aux bronzes de la Grèce antique, ceux de Riace. Il s’agit de deux spectaculaires sculptures en bronze à taille humaine datées du V^ème siècle avant J.-C., en pleine ère classique. Selon Pline, le moulage d’après modèle vivant aurait été inventé par Lysistratus vers 350 avant J.-C.. Peu d’historiens valident cette hypothèse. Les recherches de Nigel in situ démontrent l’utilisation des moules en creux vers 500 ans avant  J.-C, apogée de l’art grec avec la découverte du contrapposto. Selon Nigel Konstam, cette utilisation souligne l’ avancée technique plutôt qu’une avancée proprement artistique des sculpteurs antiques.

Bronzes de Riace, v. Vème s. ap. J.-C., Musée national de Calabre

-   La deuxième découverte a trait à l’usage de miroirs dans la peinture du XVII^ème siècle. On connaît leur emploi par Vélasquez. Cette technique aurait permis à l’ artiste d’origine sévillane, ami et peintre officiel de la Cour de Philippe IV d’Espagne, de terminer en un délai record son chef d’œuvre « Les Ménines » à l’aide d’un grand miroir provenant de la salle des miroirs du Palais royal de Toledo.

Vélasquez, les Ménines, 1656, le Prado

Nigel Konstam prétend, preuves à l’appui, que Vermeer et Rembrandt recouraient également aux miroirs. Bien qu’excellant dans le portrait, Rembrandt se facilitait parfois la tâche  en dessinant et peignant d’après la réflexion des personnages sur une surface plane renvoyant leur image. Quant à Vermeer, Nigel Konstam suggère que le peintre utilisait un double miroir pour mieux faire sentir la lumière qu’il entendait capter. Enfin, Nigel Konstam partage le point de vue de David Hockney lorsque celui-ci affirme que Filippo Brunelleschi avait fait usage de la camera obscura, mais Nigel doute que Vermeer s’en soit également servi dans son atelier.

J’invite tous ceux qui ne sont pas trop choqués par ces propos iconoclastes à approfondir ces questions en se connectant sur le site de Nigel ( www.verrocchio.co.uk).  A l’instar du premier Matisse, lors de sa période fauve, je savais qu’ peignant, l’on pouvait se brûler au contact de la couleur. Vince Tutton, mon professeur de peinture (cf son site www.vincetutton.co.uk) m’a permis de le vivre indirectement en m’invitant à dessiner et à n’utiliser que quelques pastels à la Toulouse-Lautrec. En frôlant la couleur sans m’y plonger, j’ai ressenti encore plus sa vivacité.

Preuve que rien n’est impossible, même pour la néophyte que je suis…

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Arman était excessif, à la boulimie. Cette gourmandise l’a dévoré toute sa vie dans ses rapports aux choses comme aux êtres. L’exposition comprend 120 œuvres clés. Chacune retrace une étape charnière de son œuvre en montrant la façon dont Arman utilise, traite, manipule, déforme l’objet. L’artiste est au centre d’une composition centrifuge d’où partent diverses directions reliées entre elles.  Arman y reviendra toute sa vie.

Home Sweet Home, Arman,1960, Paris, Musée national d’Art moderne

Photo service de presse(c)Centre Pompidou, dist. RMN

Entre 1956 et 1962, Arman met au point sa grammaire plastique avec les allures d’objets et cachets, l’accumulation, la poubelle, les colères et les coupes, la combustion. Des années 1970 aux 2000, il explore à nouveau le même langage artistique en les transformant et adaptant en de subtiles variations. Membre fondateur du Nouveau Réalisme aux cotés d’Yves Klein et de Pierre Restany, Arman développe une œuvre originale autour des objets manufacturés par la société de consommation. En 1960, leur manifeste affiche leur ambition « les nouveaux réalistes ont pris conscience de leur singularité collective. Nouveau Réalisme = nouvelles approches perspectives du réel ». Dans le prolongement du Pop Art, mais en s’inscrivant en réaction contre l’art minimal, ce mouvement fulgurant critique la production de masse. Avec eux, l’objet est désarticulé. Il perd son statut et sa fonction avec l’arrachement des images de l’affichiste Jacques Mahé de la Villeglé, les compressions de César, les emballages de Cristo, les tableaux-piège de Daniel Spoérri, les assemblages sonores de Jean Tinguely…et  les accumulations d’Arman.

Dans l’exposition, l’interprétation de l’objet est l’effet d’un engagement corporel de l’artiste en accord avec son « action painting », sa technique gestuelle développée au contact des arts martiaux (judo et Kung Fu) et ses attaques à coups de hache d’un salon lors d’un happening (« Colère » filmé en 1975 dans une galerie new-yorkaise).  Arman va jusqu’à brûler en public l’objet !

The Day after – feu Louis XV, Arman, 1985

Paris, collection particulière(c)adagp,

Banque d’images, Paris 2010

Ce combat de corps à corps contre l’utilité de l’objet et sa pauvreté conceptuelle s’inscrit dans un mouvement de révolte contemporaine. On sent les influences et filiations nombreuses qui l’ont nourri. L’esthétique des objets de rebut érigés en œuvre d’art remonte aux premiers collages et assemblages cubistes de Picasso.

Guitare, Picasso, 1912

Arman lui-même se réclame du dadaïste Kurt Schwitters et de son « Merz » de 1919, œuvre maison composée d’un amoncellement hétéroclite d’objets quotidiens incluant des poèmes et caractères typographiques.  Au tout début du XXème siècle, Marcel Duchamp marque l’art du XX^ème et XXI^ème siècle en proclamant « l’art est mort ! ». Par son choix délibéré, il met encore au rang d’œuvre d’art le ready made, banal objet détourné de son contexte habituel.

Urinoir, Marcel Duchamp, 1917

Par leurs assemblages, les surréalistes donneront à l’objet détourné une dimension esthétique voire tactile.

Déjeuner en fourrure, Meret Oppenheim, 1917

Arman part de l’objet de rebus. Il continue avec l’objet manufacturé retravaillé à la façon du Pop Art, en collaborant avec la régie Renault et l’automobile, objet phare de la société industrielle de masse.

Il effectue également une autre rupture plastique en regardant beaucoup les « combine paintings » de Rauschenberg, mêlant peinture et sculpture. Tout au long de son œuvre, Arman oscille entre les deux techniques pour revenir dans les années 80 à la peinture ou, plus exactement, à la matière picturale. D’abord, l’artiste tire parti des qualités d’inclusion du plastique pour emprisonner et figer la couleur, de sorte que « les couleurs deviennent plus des objets que de la peinture ». Puis, l’artiste épure son geste en assemblant et collant sur la toile des outils de peinture (tubes de peinture, pinceaux et brosses de peintre).

Nuit étoilée, Arman, 1987

Genève, collection fondation

A.R.M.A.N. (C)F. Fernadez

Sa dernière provocation (et irruption) s’achève avec la série des « Shooting Colors ».  Sa démarche créative opère une synthèse avec le geste (brutal), l’objet (chahuté) et la matière chromatique (non moins violentée).

Hello Jackson, Arman, 1990

Nice, collection particulière (c)

Adagp, Banque d’images 2010

Arman prolonge la série de ses Colères. A l’entendre, il perpétue « la logique du geste » et tire « à coups de couleur, sur des objets préparés sur la toile », dans « une frénésie post-pollockienne ». Il abat la frontière entre peinture et sculpture, entre planéité et profondeur, entre deuxième et troisième dimension ! Jusqu’à sa mort, Arman convertit les objets en couleurs, et les couleurs en objets. Les installations de Damien Hirst comme Lullaby Spring (une armoire à pharmacie métallique contenant 6136 pilules faites à la main et peintes une à une) s’en inspirent ouvertement. Cette œuvre a été adjugée par Sotheby’s en 2007 au prix record de 19,2 millions de dollars, soit 14, 34 millions d’euros !

Lullaby Spring, Damien Hirst

Sans valoir autant, les œuvres d’Arman ne sont pas à la portée de toutes les bourses. Pour un artiste révolutionnaire qui entendait bouleverser le sens des choses, l’argent revient en maître et redonne une valeur marchande aux objets…

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1/ Catalogues

• Jackson Pollock et la peinture américaine, cat. Exposition Paris, Musée national d’art moderne, 1959 ;
• F.V. O’Connor et E.V. Thaw, Jackson Pollock, a catalogue raisonné of paintings, Yale University Press, New Heaven, 1978;
• Jackson Pollock, cat. exposition Paris musée d’art moderne de la ville de Paris, 1979 ;
• Jackson Pollock, cat. exposition Oxford Museum of Modern Art, 1979;
• Jackson Pollock, cat. exposition Paris musée national d’art moderne, 1982 ;
• Harten Jürgen, Siqueiros, Pollock, cat. Exposition Kunsthalle de Düsseldorf, 1995 ;
• Rosalind Krauss et Yve-Alain Bois, L’informe mode d’emploi, collection Procédures, Paris, mai 1996 ;
• Jackson Pollock, cat. Exposition New York Museum of Modern Art Kirk Varnedoe, Pepe Karmel, 1998/99 – Tate Gallery, Londres, 1999;
• No limits, just edges, cat. Exposition Berlin Deutsche Guggenheim collection, 2005;

2/ Ouvrages

• Hans Namuth, L’atelier de Jackson Pollock, Macula, Paris, 1978 ;
• Dora Vallier, L’art abstrait, Pluriel, Hachette littérature, Paris, 1980 ;
• Madeleine Deschamps, La peinture américaine mythes et la matière, Editions Denoël, Paris, 1981 ;
• Friedrich Nietzsche, Le crépuscule des idoles, [1889], Flammarion, Paris, 1985 ;
• Friedrich Nietzsche, Le nihilisme européen, [1887, Editions Kimé, Paris, 1997 ;
• Rosalind Krauss, L’originalité de l’avant-garde et autres mythes modernistes, Macula, Paris, 1993 ;
• Marc Jimenez, Qu’est-ce que l’esthétisme ?, Gallimard folio Essais, France, 1997 ;
• Clement Greenberg, Art et critique essais critiques, [1961], Macula, Paris, 1988 ;
• Anna Moszynka, L’art abstrait, Thames and Hudson, Royaume-Uni, 1998;
• Eric de Chassey, La violence décorative Matisse dans l’art américain, J. Chambon Nîmes, 1998 ;
• Claudine Grammond, Pascal Rousseau, L’ABCdaire du fauvisme, Flammarion, Paris, 1999 ;
• Patrick Wotling, Le vocabulaire de Nietzsche, Edition Ellipses, Paris, 2001 ;
• Denys Riout, Qu’est-ce que l’art moderne ?, Gallimard folio Essais, France, 2000 ;
• Eric de Chassey, La peinture efficace – une histoire de l’abstraction aux Etats-Unis (1910 – 1960), France, Gallimard, 2001 ;
• Jean Lacoste, Qu’est-ce que le beau ?, Bordas, Paris, 2003 ;
• Jean Lefranc, Comprendre Nietzsche, Armand Colin, Paris, 2003 ;
• Georges Roque, Qu’est-ce que l’art abstrait ?, Gallimard folio Essais, France, 2003 ;
• Leonard Emmerling, Jackson Pollock, Cologne, Taschen, 2003 ;
• Barbara Hesse, Expressionnisme abstrait, Taschen, Cologne, 2005;
• Marc Jimenez, La querelle de l’art contemporain, Gallimard folio Essais, France, 2005 ;

3/ Articles divers

• William Rubin, Jackson Pollock and the Modern Tradition, in “Part II : 3. Impressionism and the Classic Pollock”; 4. Color and Scale; “Affinities with the late Monet”, Los Angeles, Artforum, vol. 5, mars 1967;
• Michael Fried, Peindre in “Trois peintres américains”, Revue d’esthétique, n° 1, 1976;
• John Cage, Colour and Culture, “chapitre 14: colour without theory : the role of abstraction”, Thames and Hudson, Londres, 1993;
• Eric de Chassey, “Jackson Pollock figuratif ou abstrait”, L’œil n° 504, mars 1999;
• George Roque, « Quelques préalables à l’analyse des couleurs en peinture », Techné n° 9-10, 1999 ;
• Françoise Viénot, « le rendu de la couleur dans son contexte », Techné n° 9-10, 1999 ;
• Alain Chiron, Michel Menu, « La couleur des œuvres d’art », Techné n° 9-10, 1999 ;
• « Jackson Pollock : Response as Dialogue » in Jackson Pollock New Approaches, in cat. Exposition New York Museum of Modern Art, 1999;
• Michel Menu, “L’or des oeuvres d’art” ; Techné n° 15, 2002 ;

4/ sources internet

• Retranscription d’un cours à Paris VIII de Gilles Deleuze sous forme de questions en date du 05.05.81 www.univ-paris8.fr/deleuze/article.php;
• www.colorsystem.com;

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La multiplication et la complexité des théories de la couleur suscitèrent en moi dès l’abord une grande perplexité (cf mes précédents billets) en  raison de l’absence d’une grille définie de règles d’interprétation des couleurs et de publications synthétiques en la matière.

Un tel désarroi eut son pendant positif. Moi qui,dès l’abord, n’aimait pas particulièrement Jackson Pollock, je me suis découverte vibrée à son œuvre, tant par un contact direct avec ses tableaux à Paris et à New York, que par les analyses et développements divers qui m’ont permis de comprendre un peu mieux cet artiste qui m’est apparu hors-pair au milieu du XX^è siècle.

Tous ces aperçus ont affiné progressivement l’idée vague que j’avais de Jackson Pollock. Tous ont aussi contribué à « ouvrir » mon regard sur ce peintre à la fois réputé et mal connu.

Loin de moi l’idée de contribuer à sa « mythologie » par une glose savante ! A l’image du titre de mon billet d’aujourd’hui, il s’agissait plutôt d’impression (Eindruck en allemand). Rappelez-vous les Impressions de Kandinsky ! Ce fut pour moi une véritable plongée dans l’univers multiple et déroutant de la couleur, à l’instar de celle qu’a accomplie avec plus de risques Jackson Pollock lui-même.

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De Dionysos à Apollon

Chaque peinture de Pollock est comme le parcours qui l’a produite : celui d’une fureur conduisant à la plénitude d’un beau infini.

L’expérience que livre l’artiste rappelle celle du second Faust de Goethe dans l’ouvrage duquel se rencontrent l’Allemagne du Sturm und Drang[1] annonçant le romantisme et la Grèce antique par trop idéalisée au XVIII^è siècle.

Cette expérience est celle d’une beauté « qui se donne et se dérobe dans le même temps. » C’est « une promesse fragile et éphémère d’ordre véritable, de bonheur, de liberté ; c’est une éclaircie, comme celle qui accueille d’un arc-en-ciel l’arche de Noé dans les tableaux flamands. [2]»

Cette éclaircie ouvre sur un monde à la fois proche et lointain, celui de infiniment petit où circule tout un monde de particules qui naissent, créent et s’annihilent continuellement.

Au contact de l’œuvre de Pollock, on ne sait si l’énergie déployée est forte ou fragile, tant on a le sentiment simultané de l’explosion des choses et de leur évanescence. Comme lors d’un artifice, on est ravi et déjà un peu triste que tout soit parti. Sous ce rapport, on ne peut que partager, devant ses tableaux, le sentiment qu’un philosophe exprimait :

« Les êtres que j’aime sont des créatures. Ils sont nés du hasard. Ma rencontre avec eux est aussi un hasard, ils mourront… Savoir cela de toute mon âme et ne pas les aimer moins.[3] »

Si la rencontre de la couleur (et dans la couleur) est aléatoire, celle-ci n’est pas pour autant illusoire. La peinture de Pollock exprime la vie, à commencer par celle du Nouveau Monde, plein de vie et de vitesse.

Par son agitation autant que par sa sérénité, il est sûr que la couleur de Pollock ne reflète pas l’économisme ordonné de la vie américaine. La couleur y éclate de toutes parts – fuse de partout ! exprimant un autre aspect de l’Amérique, peut-être le plus profond, celui d’un continent qui adore l’action.

Cependant, au lieu de se contenter d’une pensée qui ne voit de vérité que dans le succès, la peinture de Pollock exprime un je ne sais quoi qui manque terriblement au monde de l’organisation : l’émoi.

[2] Simone Veil, cité par Jean Lacoste in Qu’est-ce que le beau ? Les aventures de l’esthétique, Bordas, Paris, 2003, p. 230.

[3] Ibidem.

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Jackson Pollock, Number 1, 1948 (1948), MoMA

Le message global

Ce message est probablement moins celui d’une intention que d’une impression d’ensemble, celle d’une formidable énergie engageant le corps entier à l’image des empreintes digitales dans Number I : 1948 (reproduit en chapeau) et Lavender Mist de 1950.  Croyez-moi sur parole si celui ne vous apparaît pas de façon évidente en regardant une simple reproduction !

La peinture de Jackson Pollock éclate de vitalité et fait contraste avec la vie de l’artiste davantage vouée à l’autodestruction, la répétition et le néant.

The Deep de 1953 annonce en quelque sorte cette déchirure symbolique avec une inquiétante béance noire qui s’inscrit comme « un espace du dedans » dans une masse blanche. Sur une surface non apprêtée, Pollock commença par recouvrir d’une couche de peinture grise les esquisses de Ritual[1] qu’il peignit la même année. Puis, il peignit la toile au pinceau et y déversa une couche d’émail noir sur la toile posée verticalement, s’aidant, dit-on, d’une seringue. Retournant maintenant le châssis, il appliqua alors des pigments blancs avec une telle vigueur que certains poils collés sont encore visibles. Effectuant enfin une nouvelle rotation à l’horizontal, il déversa de la couleur à l’huile blanche et liquide qui traversa par entrelacs la fracture noire. Le jaune superposé par petites couches au blanc et jouxtant par moments le noir y crée une indécision optique autant qu’une pulsation. Le gris transparaît ponctuellement, tempérant par nature deux couleurs franches. Malgré leur infime proportion, les petites taches colorées rouges disséminées rayonnent sur un fond noir.

Jackson Pollock, The Deep, MMAM (Paris)

L’œuvre est ambiguë, mais aussi exceptionnelle par sa luminosité. The Deep retrouve, de façon multipliée, l’irradiation naissante d’un de ses premiers tableaux, non moins touchant : The Moon Woman Cuts the Circle de 1943. Avec The deep, la vibration optique donne également l’impression d’une totale dissolution de la matière en énergie.

Jackson Pollock, The Moon Woman Cuts the Circle, MNAM (Paris)

L’ambigueté finale est la touche des grands artistes. En dépit des critiques négatives qui se multiplièrent dans sa dernière période, un tableau comme The deep montre combien toute tentative de réduire le sens est vaine. A l’image de sa gestuelle nouvelle et imprévisible, force est de constater que devant l’œuvre de Jackson Pollock, on reste médusé.

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Gene Davis*. Reproduit à partir de  « Artist Gene Davis putting finishing touches on his 414-ft-long ptg. ‘Franklin’s Footpath,’ painted on street in front of Philadelphia Museum of Art, » photo par Henry Groskinsky, 1972: via The Best of LIFE.

La sémantique implicite

Si un tel sens existe, il relève de la signification des couleurs. Peut-être comporte-t-il un sens plus général (qui fera l’objet de mon prochain billet).

La signification des couleurs

Assuré que la couleur était porteuse de sens dans une œuvre d’art, certains historiens de l’art ont affirmé que « dans les œuvres [des expressionnistes abstraits], c’est la couleur qui porte le poids du sens intentionnel. [1]»

Bien qu’il n’ait pas écrit sur le plan théorique, Jackson Pollock a assigné aux couleurs une signification précise en annotant un dessin de 1939. Il y détaille trois couleurs primaires (jaune, bleu, rouge) et une secondaire (vert) pour les faire correspondre aux quatre fonctions primaires jungiennes :

• Le jaune pour l’intuition ;
• Le bleu pour la pensée ;
• Le rouge pour l’émotion ;
• Et le vert pour la sensation.

Pollock est loin d’être le premier à comprendre le sens des couleurs à la lumière de la psychologie. On rappellera notamment les couleurs physiologiques de Goethe à la fin du XVIII^è siècle, et au début du XX^è siècle celles de Kandinsky qui se rapportent à la couleur ainsi qu’à la forme (cf mes précédents billets sur la signification des couleurs).

La reprise par Pollock de la théorie jungienne est à relativiser, car elle s’inscrit avant son passage à l’abstraction. L’artiste semble plutôt avoir fait usage de la couleur-lumière sans la rattacher à un système. Dans ce domaine hautement subjectif, son guide presque exclusif paraît être son pragmatisme et son intuition. Même Léonard de Vinci, qui a dégagé des règles de peinture, a fini par conclure :

« Si tu voulais te laisser guider par des règles dans ton travail, tu ne réaliserais jamais rien et tu ne produirais dans tes œuvres que confusion.[2] »

S’il n’existe pas chez Pollock de sens donné, il appartient à chacun de déchiffrer ce sens reçu. Preuve en est la sensibilité grandissante du public (critiques et spectateurs) à l’égard de son œuvre. A l’instar d’une peinture pariétale qui continue d’exercer sur nous un profond effet sans que l’on en comprenne les raisons, l’œuvre de Pollock fait écho en nous de façon étrange. Passant de la couleur-matière, source d’émotion, à la couleur-lumière, source de vibration, Pollock a été plus que jamais fasciné par la sensation optique et l’effet des couleurs.

D’autres peintres après lui, comme Helen Frankenthaler, tentèrent d’explorer un tel effet à partir de la couleur synthétique et de sa réactivité au regard du médium. Suivant les préceptes de Josef Albers, Kenneth Noland et Gene Davis* (cf le cliché reproduit en chapeau)  initièrent également une nouvelle abstraction dans la recherche effrénée d’une forme neutre (« stripe painting ») permettant à la couleur de s’épanouir pleinement. En raison des contrastes simultanés et successifs induits par la juxtaposition de ces deux éléments plastiques, ils en revinrent toutefois à l’idée traditionnelle que la couleur et la forme étaient inséparables.

Kenneth Noland, Silent Adios III

Paradoxalement, seul Pollock, rangé par certains dans le camp des dessinateurs, laissa la couleur rayonner à la surface de la toile autorisant le spectateur à en déchiffrer un éventuel message global. Je vous invite à le découvrir dans mon prochain billet !

[2] Cité in Johannes Itten, L’art de la couleur, Edition abrégée, Dessain et Tolra, Paris, 1986, p.94.

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Matisse, Nadia au sourire enjoué, aquatinte (1948), MNAM

La figuration exposée

Quelle que soit la portée des débats, Jackson Pollock revint en tout état de cause à la figuration en 1951. Cette date correspond à la série de dessins noirs sur toile écrue « les Black Pourings » et à la mise en parallèle de la couleur.

A cet égard, Eric de Chassey insiste sur la dette de Pollock à l’égard de Matisse qui se ferait davantage sentir avec la fusion ligne couleur réalisée dans le trait au pinceau. Les dessins sur papier (cf l’aquatinte reproduite en chapeau) ou sur céramique de Matisse ne délimitent plus, ni n’enserrent les formes. A cet égard, Matisse s’exprimera de façon éloquente :

« J’insiste sur la qualité spéciale du dessin au fuseau [ou par coulure] qui par un moyen réduit contient toutes les qualités d’un tableau ou d’une peinture murale. Le blanc [ou l’écru] – ses surfaces prennent leur qualité par le noir. […] Les dessins au pinceau en noir contiennent en réduit les mêmes éléments qu’un tableau en couleur, c’est-à-dire la différenciation de la qualité des surfaces dans une unité de lumière. [1]»

Dans Echo : Number 25, 1951, Pollock adapte à sa manière la même valeur de noir laqué très liquide qui imprègne le support brut renvoyant la lumière. De la même façon, il décrit sans gradation de valeur, avec le même noir laqué, l’ombre et le plein, l’intérieur et l’extérieur, en jouant lui-même sur la différenciation de la qualité des surfaces. Comme Matisse, il expose l’imagerie en la laissant transparaître virtuellement en couleur.

Jackson Pollock, Echo: Number 25 (1951) MoMa

Selon Bernice Rose, Pollock transposerait, « par une invention transposée au dessin », le noir de lumière matissien à « l’espace vierge de la feuille […] utilisé comme un équivalent pour la lumière », car, « pour Pollock, l’espace équivaut lumière.[2] »

Ainsi des premières œuvres figuratives aux dernières œuvres non moins figuratives de Pollock en passant par ses classiques drippings, la lumière ne cesse d’être présente sous des modes différents, conférant à ses tableaux une « aura » toute apollinienne. Tout se passe comme si la couleur lumière qui s’en échappe était là pour faire briller un sens à peine perceptible. La sémantique implicite sera  donc au cœur de mes prochains billets.

[2] Bernice Rose in Jackson Pollock, cat. Exposition Paris Musée d’art moderne de la ville de Paris, 1979, p. 22.

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